Quand l’art était gratuit(예술이 무료였을때)

Quand l’art était gratuit

par Fabrice Bousteau

Il y a treize ans, quand j’étais encore un jeune critique, Erik Dietman (1937-2002), un artiste fabuleux né en Suède, mais qui a vécu la majorité de sa vie en France et dont la fondation Maeght va célébrer l’oeuvre en mai prochain, me raconta une histoire qui me marquera à vie. À 25 ans, alors qu’il était arrivé depuis quelques mois à Paris, Erik supplia un soir le barman de la coupole de lui faire crédit de quelques verres pour une fille qu’il voulait séduire quand celui-ci lui répondit : “Pas de problème, le vieux a payé ton ardoise.” Le vieux, c’était Alberto Giacometti, qu’Erik n’avait pas pourtant jamais rencontré. Giacometti, client fidèle de la brasserie, ayant observé Erik, avait demandé au directeur comment il pouvait aider ce jeune artiste en exigeant que celui-ci n’en sache rien! Cette générosité, ma génération l’a rarement rencontré. Pourquoi Giacometti et les artistes du milieu du XXe siècle étaient-ils plus généreux que les artistes d’aujourd’hui? Sans doute parce qu’à l’époque l’art était moins directement associé à une valeur financière, à l’argent. À celui qu’il surnommait Nounours, son dernier chauffeur et homme à tout faire, de son vrai nom Maurice Bressenu, Picasso offrit près d’une certaine d’oeuvres, souvent dédicacées. Celles-ci devient être dispersées à Drouot le 9 décembre dernier par les héritiers de Nounours, mais la vente a été suspendue à la demande du maître sans que l’on en connaisse la raison, puisque personne ne conteste l’authenticité des dons de Picasso à son chauffeur. Cette affaire intervient peu de temps après que Pierre le Guennec, un ancien électricien de Picasso, a exhumé un carton conservé pendant près de quarante ans comportant 271 oeuvres que lui aurait données l’artiste et qu’il souhaite vendre pour assurer la sécurité financière de son épouse, aujourd’hui malade. Les héritiers Picasso ont, là encore, bloqué la vente, mettant en doute la possibilité d’un tel don. Aujourd’hui rien ne prouve l’une ou l’autre version, mais on a envie de croire à celle de l’électricien, parce que c’est un conte de fées, mais aussi et surtout parce qu’elle rappelle que la création n’a pas de prix, que l’art n’est pas une marchandise comme une autre. Ce qui est sûr, c’est que l’on imagine mal aujourd’hui Jeff Koons offrir à son plombier une de ses oeuvres car, vu la cote de l’artiste, cela reviendrait à lui offrir un coffre de lingots d’or!

“ Fabrice Bousteau, Quand l’art était gratuit, édito, BEAUX-ARTS magazine, TTM éditions, Paris, Janvier, 2011, p.5”

예술이 무료였을때

Fabrice Bousteau

  13년전, 내가 젊은 비평가였을때, 스웨덴에서 태어난, 그러나 그의 인생의 전성기를 프랑스에서 보낸 그리고 그 다음해 5월에 La fondation Maeght 에서 그 작품을 유명하게 만드는 한 전설적인 아티스트, Erik Dietman (1937-2002)은 나와 삶속에 각인되게 될 이야기로 대화를 나누었다. 25살, 그가 Paris에 도착한지 몇달 지났을때, Erik은 어느 저녁 그의 아카데미의 바텐더에게 그가 마음을 사로잡기를 원하는 한 소녀를 위해 잔 몇개를 빌리기를 간청하였을때 바텐더는 그에게 대답하였다. “아무문제 없어요. 노인이 이미 당신의 빚을 지불하였습니다.”  그 노인은 Alberto Giacometti였다. 그러나 Erik은 전혀 만나본적이 없는 사람이었었다. 그 음식점의 신용있는 손님인 Giacometti는 이미 Erik을 관찰했었고, 주인에게 어떻게 저 젊은 예술가를 그가 전혀 그것을 알수 없게 도울수 있을지 까다롭게 물어보았었다. 이러한 인간미, 나의 세대에는 이러한 이야기를 드물게 들었다. 어째서 Giacometti와 20세기 중반의 예술가들은 지금의 예술가들보다 더 인간미 있을 수 있었을까? 당연히 그 시대에는, 예술을 지금보다 덜 직접적으로 경제적인 가치, 즉 돈에 속해있었다.

  곰인형라고 별명지어진, 그의 마지막 운전사이며 모든것을 한 사람, 그의 진짜 이름은 Maurice Bressenu 인 그에게, Picasso는 몇몇작품중에 하나를 종종 헌정하였다.  아무도 Picasso가 그의 운전수에게 증여한것에 이의를 제기하지 않았고, 그것들은 운전수의 상속인들에 의하여 지난 12월 9일 Drouot에 판매되려 하였으나, 그 판매는 우리가 그것에 대해 알수 있는 이유도 없이 주인의 상속인들의 요구에 의해서 중단되었다.  이 일은 얼마후에 Picasso의 전기기사였던 Pierre le Guennec이 Picasso가 그에게 주고 아픈 그의 배우자의 경재적 안정을 위해 팔기를 원했던 40여년간 보호된 그의 271개의 작품중 하나를 들어낸 다음에도 그에게 간섭하였다. Picasso의 상속인들은 증여에 대한 의심을 제시하며 판매를 제한하기를 계속 원했다. 오늘날에는 어느쪽이 거짓인가 전혀 증명하지 못하지만, 우리는 그 전기기사를 믿기를 원한다. 왜냐하면 이것은 하나의 동화같은 이야기기 때문이다. 그러나 마찬가지로, 그리고 무엇보다도 창조는 가격을 가지고 있지 않고, 예술은 다른것과 같은 상업적인 것이 아니라고 불려지기 때문이다. 

  확실한것은, 오늘날에 있어서는 상상하기 힘들다. 왜냐하면 그것은 마치 Jeff Koon이 자신의 작품중 하나를 자신의 배관공에서 선물하는것이고, 예술가의 차원에서는, 그것은 그에게 항금궤를 선물한 것으로 것과 같기 때문이다.

“ Fabrice Bousteau, Quand l’art était gratuit, édito, BEAUX-ARTS magazine, TTM éditions, Paris, Janvier, 2011, p.5”

L'essai concernant la mort (죽음에 관한 에세이)



Georges de la Tour, Madeleine à la veilleuse, 1630/35, Louvre

   Dans la salle ombré, une femme regardait calmement une bougie brûlant. on ne sait pas pourquoi elle avait le crâne sur sa genou, or, elle n'avait aucun horreur et d'avoir peur. d'autre face, la lumière et la sombre sont comparées dramatiquement, ceux-ci nous disent qu'elle était en trains de considérer quelque chose. Voilà, ce tableau est la peinture de Francesco Trevisani(1656-1746), Il nous a montré la pensée en ce qui concerne la mort et la vie, la vie et la mort qui sont comme la contraste entre la lumière et sombre restent à côté de nous. De l'homme qui vivait dans l'autrefois à l'homme de nos jours, l'homme a toujours peur sur la mort. Parce que la mort est fatale de notre vie. "Memento mori" évoque le sens que ne pas oublier ce que la mort existe à côté de nous et "Memento mori" est symbolisé  souvent par la crâne. Peut-être, elle a pensée la mort qui l'irait abordé. 

  어두운 방, 한 여성이 조용히 타오르는 촛불을 보고 있다. 왜 그녀의 무릎위에 해골이 올려져있는지는 모르지만, 그녀는 어떠한 공포나 두려움은 없다. 다른 측면에서, 빛과 어둠은 극적으로 대조되고 있고, 이것은 그녀가 무언가에 대하여 깊이 생각하고 있을을 보여준다. 

  이 그림은 Francesco Trevisani 의 작품으로 삶과 죽음에 대한 생각을 우리에게 보여주고 있다. 삶과 죽음은 빛과 어둠의 대조처럼 우리곁에 머물러 있다. 오래전의 사람부터 현대인까지 인간은 언제나 죽음을 두려워한다. 왜냐하면 죽음은 우리의 숙명이기 때문이다. "Memento mori"는 "죽음이 우리곁에 있음을 있지 마라"를 의미하며, 그것은 종종 인간의 해골로 상징된다. 아마도 그녀는 다가오는 죽음에 대해 생각하고 있을 것이다.

  D'autre côté, il y a l'autre type de la mort, celui-ci est la "suicide". Certains personnes choisissent le moment de sa mort, ils s'est terminés sa propre vie. pourquoi? En interrogeant cette question, lisez cette phrase.  

  다른 측면에서 보면, 또다른 형태의 죽음이 존재한다. 그건은 바로 "자살"이다, 몇몇 사람은 자신의 죽음을 선택하고, 그들 스스로 자신의 삶을 종료한다. 왜일까? 이 질문을 해보며 다음 문장을 읽어보자.

4. Amoureux de la mort? C'est trop dire d'une moitié; half in love with easeful death (Keats) : la mort libérée du mourir. J'ai alors ce fantasme : une hémorragie douce qui ne coulerait d'aucun point de mon corps, une consomption presque immédiate, calculée pour que j'aie le temps de désouffrir sans avoir encore disparu. je m'installe fugitivement dans une pensée fausse de la mort (fausse comme une clef faussée) : je pense la mort à côté : je la pense selon une logique impensée, je dérive hors du couple fatal qui lie le mort et la vie en les opposant.

"S'abîmer, Fragments d'un discours amoureux, Roland BARTHES, Edition du SEUIL, 27, rue Jacob, Paris VIe, 1977, p. 17" 

죽음에 대한 애정? 그것은 절반은 이야기한 것이다. love with easeful death (Keats) 에 나와있는 half 에는 죽는것에 대한 자유로운 죽음이 나와있다. 나는 직접적이고, 사라지는 것에 대한 참아낼수 없는 순간을 갖지 않아도 되는 부드러운 손실에 대한 환상을 가지고 있다. 나는 도피하듯 죽음에 대한 틀린(위조된 열쇠 같은) 생각에 자리한다. 나는 가까이 있는 죽음을 생각할 수 없는 논리로까지 생각한다. 나는 죽음과 삶이라는 숙명적인 커플에 거부하여  표류하고있다. 

- "S'abîmer, Fragments d'un discours amoureux, Roland BARTHES, Edition du SEUIL, 27, rue Jacob, Paris VIe, 1977, p. 17"

  Il y a deux morts différents. la mort choisissable et non-choisissable, comme la mort naturelle et le suicide. bien que l'homme veut vivre longuement, certains gens se suicide pour choisir sa fin, cette situation n'est pas normal. Mais, on doit penser à l'autre face : par exemple, il y a une homme qui s'est pris au plafond, au-dessous de lui, une lettre était mis calmement. Après, sa femme et ses enfant est arrivés sa maison et ils voient le corps mort de son mari ou son père. après cette accident, la police a vérifié le cas de sa mort, et elle a annoncé ce qu'il s'est suicidé à cause de la dette et la faillite en voulant l'assurance qui aide de vivre à sa famille.  
  Malheureusement, dans la société de nos jours, c'est d'un portrait-robot des pères, ici, on doit considérer le cas de la suicide. Cette exemple n'est pas exactement la raison précise qui nous donne l'explication, mais il nous aide à la savoir, comme la philosophie de Arthur Schopenhauer, si l'homme perdait sa propre chose le plus précieuse, il serait le plus faible. cette faiblesse nuit son identité et sa confiance personnelle, finalement, il irait perdu sa valeur de vivre, et après, il choisirait le suicide pour qu'il refuse sa propre destin.


  여기에 다른 두종류의 죽음이 있다. 선택할 수 없는 죽음과 선택할 수 있는 죽음. 다른 표현으로는 자연적인 죽음과 자살. 인간은 더 오래 살고자 하지만, 몇몇 사람은 그들의 마지막을 선택하기 위해 자살한다. 이 현상은 정상적이지 않다. 하지만, 다른 측면을 생각해보자. 예를들어 여기에 목매달아 죽은 한 사람이 있다. 그의 아래에는 편지 하나가 조용히 놓여있다. 그의 부인과 아이들이 집에 도착했을때, 그녀의 남편 혹은 그들의 아버지를 발견한다. 이 사건 이후 경찰들은 그의 죽음의 이유를 확인하고, 빚과 파산때문에 그의 가족들에게 돌아갈 보험을 바라며 자살했다고 발표한다.
  불행이도, 우리의 사회에서, 이러한 일은 아버지들의 전형 중 하나이다. 여기에서, 우리는 자살의 이유에 대해 생각해 보아야 한다. 이 예시는 정확히 설명되는 이유는 아니다. 하지만 우리가 그것을 아는것에 도움을 준다. 쇼펜하우어의 철학에서처럼 인간은 자신의 최고로 소중한 무언가를 잃어버리면, 그는 무척 무기력해진다. 이러한 무기력함은 그의 정체성과 스스로에 대한 신뢰를 해치게 되고, 결국에는 그의 삶의 가치를 잃어버린다. 그리고 그 다음, 그는 자신의 운명을 거부하기 위하여 자살을 선택한다.

MARINA ABRAMOVIC

Carrying the Skeleton, 2008

framed chromogenic print

framed: 81 1/4 x 72 1/4 inches (206.4 x 183.5 cm)

edition of 9 with 2 APs

© Marina Abramovic

Courtesy of the artist and Sean Kelly Gallery, New York

  Dans sphère du art, d'autrefois à maintenant, nous dit esthétiquement le destin humain qui est mortel, la mort est utilisée par les artistes pour montrer la limite d'homme.  N'import qui, ne peux pas échappe la mort. L'art a mis philosophiquement l'attention sur ce point de vue. il nous dit "tous les hommes mourront dans son propre destin, la mort est déjà décidée, donc, il le faut valoir sur sa vie quotidienne, ceci est une seule chose que nous en pouvons.". Beaucoup d'oeuvres nous en veulent, ici, on peut savoir la situation de nos jours que nous avons déjà dit,  franchement, la vie quotidienne est difficile de vivre.

  

  La suicide aussi, certains oeuvres l'ont utilisé au concept qui y avait mêlé, comme les souffrances du jeune Werther, pour exprimer la tristesse forte ou l'échappe vers la dentin misérable. cette scène dramatique nous donne le sens misérable comme l'héros sur le théâtre triste. La vie est toujours cruelle pour les gen qui vivent les jours quotidiens.

  미술의 영역에서는 옛날부터 지금까지 우리에게 죽을수밖에 없는 인간의 운명에 대해서 이야기한다. 예술가들은 죽음을 인간의 한계를 표현하기 위해 사용하였다. 누구도 죽음을 피해갈 수 없다. 예술은 철학적으로 이 시각에 주의를 두었다. 예술은 우리에게 이야기한다. "모든 인간은 그의 운명대로 죽는다. 죽음은 이미 결정되어있다. 그래서, 우리는 각자의 하루하루에 가치를 두어야 한다. 그것이 우리가 할수 있는 하나뿐인 방법이다.". 많은 작품들이 우리에게 이것을 바라며, 여기에서, 우리는 방금 전 이야기한 우리 현재의 상황을 알 수 있다. 솔직히, 매일매일의 삶은 살아가기 힘들다.

  자살역시도, 몇몇 작품들은 젊은 베르테르의 슬픔처럼 슬픔 혹은 비극적인 운명에서의 도망을 표현하기 위하여 그것과 연관된 컨셉을 사용하였다.  이러한 드라마틱한 장면은 우리에게 마치 비극에서의 주인공처럼 비참한 감정을 전해준다. 삶은 현대를 살아가는 사람들에게 언제나 잔인하다.

14. Septembre. 2011

Taeyang YIM (Chatviolet SOLEIL)

TF1, 프랑스 원자력 시설 폭발 기사

Le bilan est encore provisoire. Une explosion s'est produite lundi matin sur un site nucléaire à Codolet, dans le Gard, faisant un mort et quatre blessés, dont un grave, a annoncé l'Autorité de sûreté nucléaire (ASN). Selon le ministère de l'Intérieur, les blessés "n'ont pas été contaminés" et la personne décédée est "morte dans l'explosion". "Aucune mesure de confinement ou d'évacuation" des salariés "n'a été nécessaire" sur le site, précise l'Intérieur. Un peu plus tard, l'ASN a précisé que l'accident était terminé et qu'elle suspendait son organisation de crise.

손실은 아직 잠정적이다. 폭발은 월요일 아침 Codolet의 원자력 시설 안에서 한명의 사망자와 4명의 부상자를 유발하며 일어났다.  le ministère de l'Intérieur에서는 중요한 시국에 ASN을 발표하였으며, 오염이 없는 부상자들과 사망자는 폭발에 의한 것이며, 직원들의  그 장소 내부에서의 어떠한 격리나 철수도 취하지 않을 것이라 하였다. 조금 후 ASN은 사고는 끝났으며, 시설에 어떠한 위험도 없다고 공포하였다. 

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"Explosion sur un site nucléaire du Gard: un mort, pas d'évacuations,TF1"

어떠한 방사능의 유출도 없다고 하네요. 다행이라 생각됩니다.

le journal coréen(MBC) concernant l'explosion du site nucléaire

Ce soir, j'ai vu le journal coréen(MBC), dans ce journal, il y a un article qui nous a donné l'information de l'explosion du site nucléaire en France du sud. Mais bizarrement, chaques articles sont différents de chiffre concernant les gens morts et blessé, donc, j'ai comparé entre le journal coréen et français. précisément, le journal français nous a annoncé un mort et quatre blessure. mais le journal coréen, premier, il avait annoncé "un mort quatre blessures" mais après environs10min. il a changé les chiffre à "un mort sept blessures" et après il a publié l'article de la catastrophe nucléaire du Japon. pourquoi? veut-il quoi?

La renaissance, mon travail.

la renaissance, 
Taeyang YIM(Chatviolet), 2010,
Peinture acrylique, 51 cm x 38 cm

Le courant de la Renaissance, c’est un mouvement dans l’histoire, or, ce n’est pas non seulement l’histoire de l’art, mais aussi, de la culture, de la société et du savoir humain. Pourquoi? parce que celui a changé toute connaissance concernant le monde. La développe vite dans XVIe siècle, celle-ci nous a dit l’effet de ce mouvement, celle-là a commencé sur le problème dans sa période. Donc, la “Renaissance” est équilibrée du sens à la “Solution du problème”. Donc, en ce qui concerne la “ Renaissance”. En disant l’histoire de la renaissance, nous devons comparer aussi notre propre histoire, on ne la pense plus seulement comme l’histoire dans des livres, celle est aussi, un rêve de tout l’homme de nos jours. 

La vie quotidienne qui nous a donné beaucoup de la douleur et la stresse a répété, à l’influence de cette situation, l’homme de nos jours était de plus en plus faible, ailleurs, dans sa vie, il n’y avait rien d’intéresse, donc, l’homme a rêvé la nouvelle forme de vie. 

Par exemple, quand l’économie baissait supplémentairement, beaucoup de homme ont voulu voir le film héroïque.  Cette manière, y-a-t’il quel synonyme? Cette manière a représenté sur le rêve de la nouvelle forme de vie. normalement, dans le film héroïque, avant la victoire, l’héros aussi, a vécu très difficilement, mais après changer la forme et triompher sur les pains, il a passé bien des problèmes, à ce moment-là, nous avons senti la satisfaction. parce qu’on veut aussi triompher dans sa propre vie. Voilà, l’héros nous donne l’espoir et le rêve, et il y a l’autre exemple de héros. Si nous considérions le symbol de la renaissance, nous pourrions retrouver lui qui a déjà connu dans le monde.  “Jésus Christ”, il est lui. Ce travail nous montre le moment de la renaître, aussi, le métaphore de “Jésus Christ” nous a représenté le symbol de la “Renaissance”.  En cette tendance, comment la nouvelle forme aborde-nous?

Le chat a comparé souvent le chien, parce que le sens est différent entre deux animaux. le chien symbolise la confiance, le chat symbolise l’indépendance. C’est le caractère qui découle de la connaissance d’eux. Le peintre a montré le désir sur son manque, cette désire a paru le chat qui décoré la couleur bleu et violet. Pour la même raison, le violet représente la fierté et le bleu est l’espérance. De plus, les papillons qui représentent le mental libre sont placés autour du chat, ils se connectent à la Psyché de la mythologie grecque. 

Ce travail est alors selon constitué de deux partie : la forme morte et la nouvelle forme, mais aussi, le présent et le désir. Evidemment, chaque homme désire différemment son propre forme , mais, c’est égal que nous voulons la “Renaissance” pour régler des problèmes de notre vie. Alors, Ce travail voudrait nous demander que nous avons changé de la vie ennuyée à la vie conviviale que nous la demande. Donc, ce travail est non seulement l’autoportrait, mais aussi, le portrait-robot de l’homme de nos jours.

Taeyang YIM(Chatviolet Soleil)

르네상스는 역사속의 하나의 운동이었다. 하지만 그것은 단지 예술만이 아닌, 문화, 사회 그리고 인간이 지닌 지식의 운동이기도 했다. 왜냐하면 르네상스 운동은 세상에 대한 인식 전반을 바꾸어 노았다. 이 16세기에 일어난 빠른 발전, 그것은 우리에게 이 운동의 효과를 말하고 있고, 그 운동은 그 시대당시의 문제로부터 시작하였다. 그래서 “르네상스”는 “문제의 해결책”과 같은 의미를 지닌다. 르네상스를 이야기 하면서, 우리는 우리 개인의 역사와도 비교를 해보아야 한다. 우리는 이것을 단지 역사책안의 이야기로만 보지 말아야 한다. 이것은 같은 시대를 살아가는 사람들의 꿈이기도 하다.

많은 고통과 스트레스를 주는 현대의 삶은 매일 반복되고 있고, 이러한 현상으로 현대인은 점점 무기력해지고 있다. 그들의 삶속에는 어떠한 흥미도 존재하지 않고, 그렇기 때문에 그들은 새로운 형태의 삶을 꿈꾼다.

예를 들자면 경제가 점점 하락할수록, 많은 사람은 영웅물 영화를 관람하러 간다. 이와 같은 행동은 무엇을 의미하는가? 이러한 행동은 새로운 형태의 삶을 꿈꾸는 모습을 보여준다. 일반적으로 이러한 영웅의 이야기를 다룬 영화에서, 주인공 역시 승리 이전에는 매우 힘들게 사라간다. 그러나, 모습을 바꾸고 고통위에 승리한 이후에는, 그는 여러 문제들을 잘 해결해 나간다. 바로 이 순간에 우리는 만족을 느낀다. 왜냐하면, 우리들 역시 우리의 삶에서 승리하기를 바라기 때문이다. 영웅은, 우리에게 꿈과 희망을 준다. 그리고 여기에 또다른 예가 있다. 우리가 재탄생의 상징에 대해 심사숙고해본다면, 우리는 이미 세계적으로 유명한 그를 떠올릴 수 있다. “Jésus Christ”, 바로 그분이다. (이 글은 종교에 관연해 쓴 글이 아님을 공지합니다. 여기에 종교적인 인물이 등장한 이유는 그림상의 이유일분 본인의 종교와는 전혀 관련이 없습니다.) 이 작품은 우리에게 재탄생의 순간을 표현하며, 마찬가지로 “Jésus Christ”의 은유가 재탄생의 상징으로서 우리에게 다가온다. 이러한 경향에서, 우리에게 다가오는 새로운 모습은 어떠한가?

고양이는 종종 개와 비교된다. 왜냐하면 이 두 동물은 그 느낌이 매우 틀리기 때문이다. 개가 신뢰를 상징한다면 고양이는 독립을 상징한다. 이러한 성격은 그들에 대한 인식에서부터 비롯된다. 그림은 그들의 결핍에 대한 열망을 들어냈으며, 이러한 역망은 푸른색과 보라색으로 채색된 고양이로 나타났다. 같은 이유ㅔ서, 보라색은 자존심을 의미하며, 푸른색은 희망을 의미한다. 또한, 고양이 주위의 나비들은 자유로운 정신을 의미하며, 이는 그리스 신화의 프시케와 연결된다.

이 그림은 두 부분으로 구성된다. 죽은 모습과 새로운 모습, 마찬가지로, 현재와 열망을 의미한다. 분명히, 각각의 사람은 각각의 다른 모습의 삶을 꿈꾸지만, 모두가 우리의 삶속에서의 문제를 해결하기 위하여 새로운 모습을 꿈꾸는 점은 같다. 이 작품은 우리에게 우리가 지겨운 삶에서 우리가 원하는 활기찬 삶으로 바뀌기를 원한다. 그렇기 때문에 이 작품은 자화상이면서, 현대인들의 전형이기도 하다.

임태양(보라색고양이)